Матис получава мястото си във времевата линия на рисуването заради използването на цвят. Той правеше неща с цвят, който никой не е имал досега, и повлиява на много художници, които следват. Червеното студио на Матис е важно за използването на цвят и изравнената му перспектива, промяната на реалността и нашето възприятие за пространството.

Рисува го през 1911 г., след излагането му на традиционно ислямско изкуство по време на посещение в Испания, което повлия на използването на шарката, декорацията и изобразяването на пространството. Червеното студио се групира заедно с три други картини, които Матис направи през тази година - „ Семейството на художника“, „Розовото ателие “ и „ Интериор с патладжаните“ - като стоящи „ на кръстопът за западната живопис, където класическото външно изглеждащо, предимно представително изкуство на миналото срещна временния, интернализиран и самореферентен етос на бъдещето "1.

Елементите, които Матис включваше „ потъват своите индивидуални идентичности в това, което се превърна в продължителна медитация върху изкуството и живота, пространството, времето, възприятието и самата природа на реалността. “ 2 Или казано далеч по-опростено, той рисува лична реалност, света, както той възприемал и изживявал го по начин, който имал смисъл за него.

Ако погледнете по-ранните му картини, като " Хармония в червено", рисувани през 1908 г., ще видите, че Матис работи към стила в Red Studio, той не се появи от нищото.

Но перспективата е грешна …

Матис не схващаше перспективата „грешно“, рисуваше я така, както искаше. Той изравнява перспективата в стаята и я променя от това как възприемаме перспективата с очите си.

Въпросът за получаване на перспектива "правилно" се прилага само ако се опитвате да рисувате в реалистичен стил, тоест да създадете илюзия за реалност и дълбочина в една картина. Ако това не е вашата цел, тогава не можете да получите перспективата „грешна“. И не е, че Матис не знаеше как да се оправи „нито едно“; той просто избра да не го прави по този начин.

Картината е в крайна сметка представяне или израз на нещо, пресъздадено в две измерения, не е нужно да го прави като илюзия за три измерения. Западните живописни стилове преди Ренесанса не използваха това, което сега смятаме за традиционна перспектива (напр. Готика). Китайски и японски форми на изкуство никога няма. Кубизмът умишлено разбива перспектива, представляваща един обект от няколко гледни точки.

Не се лъжете да мислите, че Red Studio е напълно плоска картина или стил. Все още има усещане за дълбочина в стаята, създадено от подреждането на елементите. Например, вляво има линия, където се срещат пода и стената (1). Мебелите могат да бъдат намалени до очертания, но ръбовете на масата все още ъгъл, тъй като те се отдалечават (2), както и столът (3). Картините отзад са ясно притиснати към стена (4), въпреки че между пода и страничната стена няма разделяне на страничните / задните стени (5). Но ние така или иначе четем ръба на голямата картина като в ъгъла.

Дори би могло да се каже, че всеки елемент от картината изживява перспектива, но е представен така, сякаш художникът вижда само него. Столът е в перспектива на две точки, масата в едната, прозорецът също се вдига до изчезваща точка. Те са съчетани, почти колаж от различни гледни точки.

Измамно проста картина

Вярвам, че това е картина с измамно проста композиция. Може да изглежда, че Матис нанизва нещата върху платното на някое старо място, или че първо рисува масата, а след това трябва да запълни останалото пространство с нещо. Но погледнете начина, по който подреждането на елементите води окото ви около картината.

На снимката съм отбелязал кои са най-силните насочени линии, като избутваш поглед отдолу и обратно от краищата, около и наоколо, за да поемеш всичко. Разбира се, че е възможно да видите това по други начини, като нагоре вдясно, след това отляво. (Въпреки че начинът, по който четете картина, се влияе от посоката, в която четете текст.)

Помислете как е нарисувал различните елементи, които са сведени до очертания и на които е дадена известност. Забележете, че няма сенки, но върху стъклото има отразен акцент. Присвийте картината, за да видите по-ясно зоните на светлия тон и как да създадете единство в композицията.

Не можете да го видите на снимката, но очертанията не са боядисани отгоре на червеното, а цветове под червеното, което се вижда. (Ако работите в акварел, ще трябва да маскирате тези зони и вероятно с акрили го боядисате отгоре, като се има предвид колко бързо изсъхват, но с масла можете да се надраскате до долния цвят, ако този слой е сух.)

„ Матис не само наводни живописното си пространство с плоско, едноцветно езеро при пълно насищане, преплувайки косото ъгъл на студиото; освен това той третираше всичко триизмерно като нищо повече от вписани контури. Междувременно единствените обекти разрешаваха пълен цвят или моделиране попадат като концептуално плоски по силата на това, че самите те са плоски - това е кръглата плоча на преден план и картините, окачени на стената или подредени върху нея. "

- Даниел Уилър, Изкуство от средата на века , стр16.

Автобиографична живопис

Елементите в Red Studio ви канят в света на Matisse. За мен „празният“ бит на преден план се чете като площ, където бих стъпил, за да бъда сред нещата в студиото. Елементите образуват своеобразно гнездо, в което се осъществява творческият процес.

Изобразените картини са изцяло от него, както и скулптурите (1 и 2). Забележете кутията с моливи или дървени въглища (3) на масата и неговия статив (4). Въпреки че защо часовникът няма ръце (5)?

Матис описва ли творческия процес? Масата действа като контейнер за идеите за храна и напитки, природа и материали на художника; същността на живота на един художник. Има представяне на различни теми: портрети, натюрморти, пейзаж. Прозорец за осветяване. Минаването на времето се обозначава както с часовника, така и с рамката / рамката (незавършен?). Прави се сравнение с триизмерността на света със скулптури и ваза. Накрая има съзерцание, стол, разположен за разглеждане на изкуството.

Първоначално Red Studio не беше червено. Вместо това "първоначално беше сиво-сив интериор, съответстващ по-точно на бялото на студиото на Матис, каквото всъщност беше. Това доста мощно синьо-сиво може да се види дори с просто око около върха на часовника и под по-тънкия боя от лявата страна. Това, което е принудило Матис да трансформира ателието си с това ослепително червено, е дискутирано: дори се предполага, че е стимулирано по най-възприемани начини от последващото изображение на зеленина от градината на горещ ден. "

- Джон Гейдж, цвят и култура p212.

В биографията си (стр. 81) Хилари Сърлинг казва: „Посетителите на Иси схванаха веднага, че никой не е виждал или си е представял нещо подобно преди … изглеждаше като отделен сегмент от стена с рудиментарни предмети, плаващи или окачени върху него … сега нататък (1911 г.) той рисува реалности, които съществуват само в ума му “.

Дори не е добре боядисан …

• "Изглежда, че не може да реши къде да постави нещата."
• "Това е просто мишмаш от битове, без значение за композиционния дизайн."
• "Той можеше да представи своите чувства към тази стая с парчетата си по много по-приятен начин и може би не би трябвало да го обяснява."
• "Парчетата дори не са добре боядисани."

Коментари като тези (направени на Форума за рисуване) повдигат въпроса: "Какво определяте като" добре рисуван "?" Имате ли нужда от това да е с реалистични, фини детайли? Искаш да кажеш живописно, където можете ясно да видите какво е, но има и усещане за щрихите на боята / четката, използвани за създаване на изображението? Може ли да предаде усещане за нещо без фини детайли? Допустима ли е някаква степен на абстракция?

В крайна сметка се свежда до личните предпочитания и ние имаме щастието да живеем в епоха, в която съществуват толкова много стилове. Въпреки това, само някога рисуване на предмети, така че те да изглеждат като реалистични представи за себе си, много ограничава потенциала на боята, според мен. Реализмът е само един стил на рисуване. Чувства се "правилно" за много хора заради влиянието на фотографията, тоест изображението изглежда точно като нещото, което представлява. Но това ограничава потенциала на медиума (и фотографията по този въпрос).

Да знаеш какво харесваш и какво не харесваш е част от развитието на твоя собствен стил. Но да отхвърлиш творбата на художник, без да разбереш защо не го харесваш или знаеш защо се смята за Голяма сделка, е да изключиш потенциален път на откриване. Част от това да си художник е да си отворен за възможности, да експериментираш просто, за да видиш къде може да те отведе. Неочаквани неща могат да дойдат от неочаквани източници. От време на време получавам имейли от хора, които са се занимавали с различни проекти за рисуване, казвайки, че никога досега не са правили нещо подобно и са били приятно изненадани от резултатите. Например: по-страшното и точното посочване на проблема !.

Не мисля, че някога ще харесвам картините на Матис

Харесването на творбата на художник не е същото като разбирането на неговото значение в рамките на художествената линия. Днес сме толкова свикнали с „грешната“ перспектива, че не обмисляме много (независимо дали ни харесва или не). Но на някакъв етап един художник беше първият, който направи това.

Част от оценката на The Red Studio идва от контекста, в който работи Матис и концепцията, а не само от действителната картина. Сравним пример са картините с цветни полета на Ротко; трудно е да се предвиди време, когато покриването на платно с просто цвят беше безпрецедентно.

Кой се вписва в книгите като майстор, е въпрос на мода и до известна степен късмет, да си на правилните места или галерии в точното време, да имаш учени и куратори да изследват и пишат за твоята работа. Матис премина през период на отхвърляне като просто декоративен (и по-лош), но беше преоценен и му беше дадена по-важна роля. Сега той се цени за своята простота, използването на цвят, дизайна си.